Los descubrí hace poco y me encantó su música, se llaman She & Him y son un dueto norteamericano formado por Zooey Deschanel -voz, piano- y M. Ward -guitarra- en 2008 lanzaron su primera producción titulada Volume One. Inmediatamente llamaron la atención de la prensa especializada pues lo suyo no suena como las tendencias de moda, She & Him asimila a la perfección el tipo de sonido creado por Brian Wilson y Phil Spector, pop de factura impecable con melodías pegajosas. Una delicia que no para de sonar en mi ipod.
Admito que le llegué un poco tarde pero no importa, lo disfruto mucho y me dieron ganas de compartirles un par canciones y si les gusta, ojalá se animen a comprarlo -está en iTunes-
No son todos ni son los mejores, esos ya están publicados en otras listas. Mi selección es personal y parcial, así me gusta y así la quiero, son veintiséis discos que se convirtieron en parte importante de mi vida. Comparto con ustedes mis favoritos de la década, juntos arman el soundtrack que me acompañó en el cambio de los veinte a los treinta. Disfrútenlos.
Fue el disco que dividió a los eruditos del jazz. Norah Jones presentó una producción que mezcló la síncopa con el soul, la música country y el pop. Su sonido sedujo a miles y terminó convirtiéndose en el soundtrack oficial de cafetines y restaurantes. Independientemente de esto es un gran disco, una buena colección de canciones -standards y originales- que siguen sonando de lujo. Light, si, pero muy bien hecho.
Brandon Flowers y asociados lograron un disco que pegó fuerte. Hot Fuss es perfectamente pop y les funcionó, su sonido los convirtió en una de las bandas jóvenes más exitosas de la década. Independientemente del glamour y la moda este es debut buenazo con 11 canciones de las cuales, las primeras 5, son perfectas joyas pop. Un madrazo que no han podido repetir.
Este disco se encargó de dictar buena parte del sonido y estilo que seguiría la música electrónica por varios años. Su autor -el dj Felix da Housecat- recató el sonido dance de los ochenta y lo mezcló con sus influencias del house producido en Chicago. El resultado fue irresistible, una bomba para las pistas de baile. Queda esta grabación como una de las pioneras del género que posteriormente sería conocido como Electroclash, una de las mejores producciones house de la década.
Una de las propuestas más seductoras de la década salió de Brasil. Esta grabación, obra de la cantante Bebel Gilberto y el legendario productor Suba, se convirtió en un fenómeno a nivel mundial y de paso convirtió a sus creadores en estrellas. La cantante nos sedujo con su voz y el productor con su mezcla de géneros -jazz, bossanova y electrónica- que ha sido imitada infinidad de veces sin los mismos resultados. Escucharlo hoy sigue siendo refrescante.
Presentaron un debut contundente, fueron la banda favorita entre los indies -un término muy socorrido en la década- y al poco tiempo se olvidaron de ellos, pasaron de moda. Así de efímeros fueron algunos fenómenos, lo cierto es que Silent Alarm es un discazo. Parte esencial del sonido del rock más joven de Inglaterra.
Un disco marcado por la tragedia se convirtió en uno de los esenciales de la década. Arcade Fire no podría haber pasado desapercibido: escriben buenas canciones, son un grupo numeroso que tocan instrumentos poco o nada relacionados con el rock y al escucharlos, uno no puede más que sentirse a toda madre. Tal vez la crítica fue excesiva en alabanzas, lo cierto es que Funeral es un gran disco, de esos que a lo mejor no entran a la primera pero, a la larga, dejan una huella memorable. Al ver videos de sus presentaciones en vivo uno termina por entender el fenómeno.
Se necesitó un productor de la talla de Nigel Godrich -cuyo trabajo aparecerá en más de una ocasión en esta lista- para desinflar el ego de Macca y de paso, hacer que se esforzara en crear uno de sus mejores trabajos en solitario. El disco es una belleza, testimonio vivo de un artista que lo ha hecho todo y sigue con ganas de crear. Muchos se lo perdieron por prejuicio, bien valdría la pena que le den una oportunidad.
Matthew Bellamy y compañía tienen una seria tendencia a lo grandilocuente, eso les ha ganado igual cantidad de admiradores y detractores. Si bien sus discos anteriores son buenos fue en este donde pulieron su estilo. Aquí encontraron balance entre el rock -de tintes progresivos- y la falsa opereta al estilo Queen, las secuencias electrónicas y la vena pop. Black Holes and Revelations es un disco exagerado y me encanta.
Más cercano al country que al rock, el segundo disco de Ryan Adams lo presentó como uno de los autores más interesantes de su generación. Una colección de excelentes canciones con sonido campirano que a muchos repelió por la figura siempre azotada de su autor. Después de este seguirían discos muy buenos y otros -la mayoría- irregulares. Ryan le metió duro a los excesos, a las drogas, la sobreproducción y terminó cansando a su público. Lo cierto es que aún en sus peores momentos Ryan Adams sigue entregando buenísimas canciones.
Atacar a Bono -y de paso a U2- se ha convertido en el deporte de moda entre los amantes del rock. Lo cierto es que este, su décimo disco, es una chulada. Ahí están algunas de las cancioanes más honestas de su catálogo, una grabación que mucho le debe a sus productores, los maeses Daniel Lanois y Brian Eno que lograron sacudirle los excesos experimentales a la banda y con ello, lograr una colección casi perfecta de canciones pop. Después del 11 de Septiembre los norteamericanos se arroparon en este disco, cosa curiosa. Bono por su parte se convirtió en el blanco de los chistes más fáciles. Yo lo escucho sin prejuicio y me encanta.
Fue el disco que lo regresó al mainstream, el que lo presentó a una nueva generación que lo recibió como un grande. Morrissey ha impactado de forma definitiva la historia del rock y fue con este, su séptimo disco en solitario, que se convirtió -de nuevo- en un artista de discos relevantes y prosa afilada. Tal vez fue su exilio a la ciudad de Los Ángeles, California. Tal vez fue que se relajó un poco, lo cierto es que You are the Quarry es una de las mejores grabaciones de su carrera como solista y eso nunca será poco para un tipo con su trayectoria.
La islandesa presentó su grabación más experimental hasta ese momento, un disco de elementos mínimos que abrió la puerta al sonido de los clics and cuts. Texturas sonoras por cortesía de Matmos, momentos de armonía coral y el sonido de cajas musicales hacen que Vespertine me siga pareciendo un disco muy bello. También es recomendable el dvd: At The Royal Opera House pues complementa la experiencia de este disco al ver como se arman las canciones en vivo, de verdad es una experiencia memorable.
Son una de las bandas más representativas de la escena de Nueva York y su sonido definió buena parte de la experimentación punk de la década. Los Yeah -así les decimos de cariño- son comandados por una mujer orate y encantadora que se adueñó de los escenarios y dejó una huella difícil de borrar. Este, su primer larga duración, es un producto irregular pero entrañable. Un disco que contiene canciones que van de la locura más guitarrera a los momentos más sentimentales. Maps sigue siendo una de mis canciones favoritas.
Después de su exitoso debut, la banda caricatura creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett presentó su mejor disco hasta el momento. Una colección de temas que por su mescolanza sonora sigue sonando potente. En Demon Days hay temas de influencia reggae, electro, punk y mucho hip hop, verdadera música del mundo y absolutamente moderna. Es todo un viaje que se disfruta mejor en la fiesta, también se recomienda entrarle al dvd: Demon Days Live que presenta a los responsables del sonido Gorillaz, siempre entre las sombras para no robarle presencia a las creaciones gráficas de Hewlett.
La obra cumbre del hip hop en esta década, así de simple. Aquí están las rimas más inventivas y la prosa más contundente. El rapero buscó la producción de Kanye West, Timbaland, Just Blaze y más pesos completos del género y juntos hicieron de este un clásico. Alejado de la onda bling y del gangsta, lo propuesto por The Blueprint es cosa seria, una música cercana al soul. Hay elementos de big band, rock, pop, una delicia para el melomano y pieza indispensable para los amantes del género. Escucharlo hoy sigue siendo revelador, apto para no iniciados en el hip hop, éntrenle sin empacho.
Esta banda de Nueva York presentó un debut difícil de superar. Turn on the bright lights es un disco adictivo, oscuro, una obra que retomó las influencias del post punk más denso y lo hizo accesible para una nueva generación. Lo hecho por Interpol fue brillante, una obra indispensable para seguir el paso al sonido de la década.
El otrora líder de los Beach Boys tardó 38 años en superar sus adicciones y traumas para, por fin, entregar un disco que por sus pretensiones se convirtió en leyenda. Debió ser el sucesor de Pet Sounds -la indiscutida obra maestra del grupo- en 1966 y no pudo serlo por presiones de la disquera, pugnas internas y las fragilidad mental de Brian Wilson que, entre momentos de inspiración, genialidad y dosis de LSD se propuso grabar el mejor disco de la historia “una sinfonía adolescente para dios”. Fue hasta 2003 cuando Wilson se asoció con el letrista Van Dyke Parks y juntos completaron la obra. El resultado es sorprendente, Smile es un disco genial y musicalmente impecable. Un viaje sonoro que se debe experimentar más de una vez.
El dúo francés presentó en este, su segundo disco, una colección de temas electrónicos que marcaron de forma definitiva el sonido de la década. Para lograrlo, primero tuvieron que convertirse en robots y refinar lo hecho en su debut, el resultado fue un producto muy cercano al arte pop. En Discovery está la ruta que muchos seguirían años después: electrónica de actitud rocker, sonidos retro, voces con efecto vocoder y secuencias orates. One More Time sigue siendo uno de los himnos internacionales de la fiesta pero mi favorita es Digital Love. Se recomienda también el dvd Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem, una película animada donde cada track del Discovery es un episodio que da continuidad a la historia, fue realizado por el estudio Toei Animation.
Su nombre es Yoshimi y fue protagonista del disco más buena vibra de la década. La banda de Wayne Coyne logró, junto con la producción de Dave Fridmann, un disco que se convirtió en fenómeno de culto. Pocos se resistieron a la belleza musical de los Flaming Lips, su show en vivo mutó y se convirtieron en un performance psicodélico donde igual cabían globos multicolores y Teletubbies. Escucharlo por primera vez fue, para mi, una experiencia inolvidable.
Loretta Lynn es una leyenda de la música country, eso es indiscutible, pero en 2004 estaba un tanto olvidada. La cantante tenía 69 años y parecía que sus mejores épocas habían quedado atrás, aquí entra en escena Jack White -The White Stripes- con la idea de producirle un disco, no cualquiera, sería la obra que le devolvería la fama y de paso, le cumpliría el capricho de trabajar al lado de una de sus cantantes favoritas. El resultado fue soberbio. Van Lear Rose es un disco que rebasa el género y se convierte en una obra indispensable. La producción ganó varios premios y los que amamos la música nos quedamos con un disco entrañable donde la protagonista es siempre Loretta y su voz, esa que tiene la capacidad de darle vida a cada frase del disco.
A Beck Hansen le rompieron el corazón y esto sirvió como alimento para la creación de un clásico. Para lograrlo reclutó la producción de Nigel Godrich -prometí que aparecería más de una vez- y este a su vez se encargo arropar cálidamente el disco más autobiográfico y honesto del cantante. Beck se acompaña de la guitarra acústica en temas impregnados de dolor y nostalgia, las comparaciones con Dylan no se hicieron esperar -cosa que tampoco está mal- lo cierto es que en Sea Change encontramos a Beck en uno de sus momentos más brillantes. Me sigue pareciendo su obra cumbre.
Fueron la banda más brillante y frágil de la escena inglesa. Juntos crearon dos discos, un legado breve pero esencial para el rock actual. Ambos son piezas indispensables y por eso los pongo juntos en esta posición. The Libertines fue una banda de amigos, los mejores y más intensos -Carl Barat y Pete Doherty- decidieron vivir la autodestrucción hasta que las drogas le ganaron a la música y decidieron terminar la banda. Después de esto, Pete Doherty se convirtió en la comidilla de los tabloides. Por su parte, Carl Barat sigue intentando hacer música interesante, no puede, ninguno de los dos, se hacen falta.
Después de las agotadoras giras y la aclamación mundial lograda con el Ok Computer la banda se tomó un descanso, fue en este periodo donde empezaron a experimentar con la música electrónica y lograron otra obra maestra. Un disco que en su momento fue poco entendido por los fanáticos y la crítica más fiera que pedía más de lo mismo. Radiohead les dio la vuelta a todos con una perfecta obra de experimentación electrónica que se adelantó varios años a lo que vendría. Por cierto, Kid A fue producido por Nigel Godrich, quizá el productor más emblemático de la década.
El rock de raíces puras, ese que se nutre del blues y el country encontró en el dueto por formado por Jack y Meg White a sus más finos y puntuales exponentes. Jack White se reveló como uno de los músicos más importantes de la década y con este disco dejó una huella definitiva en la historia del rock. White Blood Cells les dio la aclamación popular, nada mal para un disco grabado a la vieja usanza: en cinta, con micrófonos de los años cincuenta en un pequeño estudio de Memphis. Muchas de mis canciones favoritas están aquí, un disco -dedicado a Loretta Lynn-que me parece perfecto, una obra honesta, directa y sin artificios, rock de neta pues.
Fue el álbum de definió como sonaba y como se veía el rock del nuevo milenio, su influencia es definitiva. The Strokes presentó un disco perfecto. This Is It suena retro, sucio y portentoso. Una obra sin más artificios que la necesidad de tocar fuerte y chingón. Los vi en vivo cuando lanzaron este disco, en un concierto ya mítico en el Salón 21 de México D.F. la experiencia fue demoledora: una banda pequeña con un gran disco y la actitud de unos grandes del rock. Todos tocaron perfecto, Julian Casablancas cantó increíble. Fue uno de los momentos más memorables con un disco que es y sigue siendo parte esencial de mi soundtrack para estos diez años, así de importante pues.
Travis Barker y Dj AM. El primero es baterista de Blink 182, el segundo manipula vinilos como dj y colabora frecuentemente con artistas pop que buscan agregar scratches a sus canciones. Los dos son artistas que se mueven dentro de un nicho muy especifico: Travis en el pop punk y Dj AM en el hip hop. Juntos han creado un proyecto musical que me parece muy divertido, su nombre es: TRV$ DJ-AM.
La premisa es muy simple: Dj AM mezcla música de diversos géneros en sus tornamesas y Travis Barker lo acompaña con bases de batería. Parece poco interesante pero, al escuchar el resultado, uno no puede más que empezar a mover los píes. No hay mayor pretensión que la de hacer la fiesta, TRV$ DJ-AM mezclan todo tipo de música, la dan giros y la presentan de forma creativa. Scratches, bombos y sampleos que al final logran un sonido netamente urbano.
El proyecto comenzó a mediados de 2008 y al poco tiempo grabaron un mixtape que distribuyeron gratuitamente. Dada lo notoriedad de los integrantes, inmediatamente generaron comentarios en el circuito de bares en Los Angeles California. La reacción del público fue positiva y lograron un lugar especial en el festival de Coachella 2009 donde grabaron su segundo mixtape en vivo. Quizá el momento más alto de su corta carrera. Dj AM fue encontrado muerto el Sábado 28 de Agosto del año en curso, una sobredosis acabó con lo que pudo haber sido un proyecto más consolidado y se quedó, al final, como una curiosidad muy difrutable para la fiesta.
TRV$ DJ-AM produjo dos grabaciones, ambas pueden ser descargadas de manera gratuita y legal en su sito web, clic aquí para visitarlo. Descarguen y escuchen el trabajo de este proyecto, luego me dicen su opinión, a mi me gustó mucho.
Algo le pasa a Pearl Jam, la banda que en los noventa se peleó con medio mundo e hizo todo lo posible por obtener credibilidad y defender sus ideologías está, aparentemente, cansada de si misma.
Hagamos un poco de historia, en 1998 Pearl Jam publicó el que sería su último sencillo comercialmente exitoso: Do The Evolution. Han pasado 11 años en los que la banda se ha mantenido al margen del éxito masivo, sus conciertos son garantía de lleno total gracias a las hordas de fans nostálgicos que acuden al llamado de la que terminó siendo la segunda banda más exitosa de los noventa. Así ha transcurrido una década en la que Pearl Jam ha publicado algunos discos memorables solo para sus seguidores más fieles. Hoy las cosas se sienten distintas, acabo de escuchar Backspacer, nuevo disco de la banda lanzado en Septiembre de 2009. Lo he escuchado en repetidas ocasiones no por lo contundente del material, lo aclaro, sino por la incertidumbre que me ha causado. Me explico: Backspacer es quizás el disco con más intensión pop en la historia de Peal Jam.
The Fixer es el tema de lanzamiento, un tema pegajoso que bien representa el espíritu del resto: Backspacer no rebasa los 36 minutos de duración, se trata de una colección de temas rápidos, ligeros y, hay que decirlo, en algunos momentos divertidos. Sensibilidad pop y menos rabia. Se han dejado de tomar tan en serio y hasta filmaron un videoclip (dirigido por Cameron Crowe) para The Fixer, ya saben, el típico video de presentación frente a un publico prendido. Parece poco pero hace años que Pearl Jam no hacía algo como esto. Si algo había caracterizado a la banda en los últimos 10 años era su casi nula capacidad de divertirse, mucho tiempo persiguieron la aprobación crítica y la congruencia artística, parece que en este momento están hartos de eso y, por fin, decidieron tomar las guitarras y rockear sin mayor sentido.
La mejor opinión sobre Backspacer la tendrán ustedes, los fans más aferrados seguirán aplaudiendo cada movimiento de Vedder, yo por el momento tengo un disco ligero (quizá poco inspirado) y tarareable para escuchar.
Hay que decirlo pronto: Jay-Z es uno de los mejores raperos del planeta. Su nuevo disco, The Blueprint 3, está dividiendo opiniones entre la crítica especializada. Lo cierto es que D.O.A. (death of autotune), primer sencillo que se desprende de este material, es una gran canción. Una incursión a sonidos y estilos poco frecuentes en el hip-hop. El video también está bueno.
Portada de Embryonic, nuevo disco de los Flaming Lips
El próximo 13 de octubre sale a la venta Embryonic, doceavo disco de The Flaming Lips. El álbum es doble e incluye colaboraciones con Karen O y MGMT. Ya está disponible el primer sencillo, se trata de la esperada colaboración con la cantante de los Yeah Yeah Yeahs, el tema: I Can Be A Frog, se estrena acompañado de un video bizarro y divertido. Lo comparto:
Portada de Phrazes For The Young, su primer álbum en solitario
Julian Casablancas, otrora lider y vocalista de The Strokes se lanza como solista, el próximo 19 de octubre sale a la venta su primer álbum en solitario, el material se titula: Phrazes For The Young y es algo muy diferente a lo que venía haciendo con su anterior banda.
Casablancas regala como adelanto el sencillo 11th Dimension y pueden escucharlo en su myspace oficial, el tema es una mezcla de elementos pop y electrónicos más cercano a New Order que al rock retro acostumbrado por The Strokes. “Para componer el disco utilicé un par de sintetizadores viejos, la guitarra y una laptop” dijo Casablancas en entrevista para la NME.
Pareciera que el rumbo a seguir son los sintetizadores y un sonido dance retro, los Yeah Yeah Yeahs lo hicieron con It´s Blitz, Paul Banks lo intentó con su seudónimo de Julian Plenti y ahora Casablancas le entra de lleno con Phrazes for the young, esperaremos el disco para dar nuestra opinión, de entrada el sencillo suena bien.
Preview de lanzamiento para Phrazes For The Young:
Estoy conociendo la historia del hip-hop, los artistas y discos más representativos de este genero que en fechas recientes se ha ido colando en mi gusto personal. Por casualidad me encontré con Ready To Die, un disco creado por The Notorious B.I.G. y quedé sorprendido.
Ready To Die es un disco concepto, una suerte de The Wall o Ziggy Stardust del rap. El álbum comienza con el nacimiento del Notorious B.I.G. y pista tras pista nos va contando la historia de su vida: una niñez poblada de carencias, el cáncer de su madre, los inicios en el crimen y por consecuencia los años en prisión, depués el éxito como estrella del rap y los excesos. Así verso tras verso vamos conociendo la vida de uno de los raperos más talentosos de la historia. Una vida llena de dolor que termina con un track donde el artista aparenta suicidarse frente al micrófono.
El disco salió a la venta el 13 de Septiembre de 1994 y no ha perdido su frescura, recomiendo poner especial atención a los detalles de producción: efectos de sonido que recrean las calles más peligrosas de Nueva York, disparos, mujeres, fiesta, excesos y droga, mucha droga.
“My shit is deep, deeper than my grave G
I’m ready to die and nobody can save me
Fuck the world, fuck my moms and my girl
My life is played out , I’m ready to die”
Fragmento de la canción: Ready To Die
The Notorious B.I.G.
The Notorious B.I.G. (Christopher George Letore Wallace) murió asesinado (en circunstancias que siguen sin aclararse) el 9 de Marzo de 1997, su discografía se limita a dos discos Ready To Die y Life After Death (el álbum de hip-hop más vendido de la historia). Su estilo para rapear y sus letras autobiográficas lo convirtieron en leyenda. Ready To Die según la Rolling Stone es uno de los mejores discos de la historia. Vale la pena escucharlo ya que es un fiel reflejo de una época y lugar determinado, me refiero al Nueva York de los noventa, cuando el Gangsta era un estilo de vida real y los raperos (muchos de ellos ex convictos) eran tipos verdaderamente peligrosos.
“I made the change from a common thief
To up close and personal with Robin Leach
And I’m far from cheap, I smoke skunk with my peeps all day
Spread love, it’s the Brooklyn way
The Moet and Alize keep me pissy
Girls used to diss me
Now they write letters ’cause they miss me”
Fragmento de la canción: Juicy
The Notorious B.I.G.
Ready To Die es un clásico del genero, un documento que narra la vida callejera: violencia como inspiración, violencia como sinónimo de éxito y la necesidad de sobrevivir a como de lugar. No se confunda, el álbum es duro pero también extremadamente funky, muy accesible al oido. Una buena recomendación para los que están cansados de puro rock. Pueden descargarlo dando clic aquí.
No soy ningún experto, solo me gusta la música y por eso he decidido inaugurar una nueva categoría en el blog, se llama canción de la semana. En ella haré mención especial de alguna bonita melodía que haya conquistado mis oídos durante la semana en curso. No tiene que ser una novedad, tampoco de un genero especifico, Sirva esta categoría para exhibir lo que ando escuchando y para compartir con ustedes mis experiencias musicales.
Derechos Reservados, Muse 2009.
Esta semana (que apenas empieza) el puesto de honor se lo lleva la nueva canción de Muse: United States Of Eurasia. Este sencillo es tan exagerado y pretencioso que los medios que recibieron su copia tuvieron que descargarla en seis partes vía una USB especial. Dicho esto se antoja imposible superar esta locura en los días que vienen.
United States Of Eurasia es el sencillo de lanzamiento para el álbum The Resistance. Gran tema que me recuerda al Bohemian Rhapsody de Queen con sus coros en falsete y producción de oropel. Pianos, cuerdas, guitarras y mucha pretensión hacen que las anteriores producciones de Muse suenen modestas. Les comparto United States Of Eurasia, primera elección como canción de la semana. Súbanle.
Su adicción a las drogas y fijación por las armas de fuego son legendarias, su nombre es sinónimo de escándalo y genialidad pues nadie como Phil Spector a la hora de producir una canción.
Spector, perfeccionista implacable, capaz de pasar doce horas escuchando la misma nota buscando imperfecciones sonoras. Hizo del estudio de grabación su laboratorio y de ahí salieron algunas de las canciones más hermosas de la época. Phil Spector, el mismo que encerró a los Ramones y a punta de pistola los obligó a afinarse. El que convenció a los Beatles de dejarse producir y votar al innamovible George Martin. Las historias son suficientes y tan extraordinarias como para llenar un tomo completo. Su genio, sin embargo, parecía no tener limites. Entre 1958 y 1969 cambió para siempre la forma en que se producía la música pop. Spector tomaba la producción de sencillos populares con la misma dedicación que se le da a la música sinfónica, lo suyo no era simple y poco correspondía a las modas.
The Ronettes y Phil Spector
Spector toca varios instrumentos, tiene un maravilloso sentido de la melodía y escribe canciones de temática accesible. A los veinte años empezó a producir y su fama creció tremendamente, poco después era dueño de su propio sello discográfico -Philles Records-, fue mentor y artífice de varias carreras -The Ronettes, Darlene Love, The Crystals-. Creador de la técnica de grabación y orquestación llamada Wall of Sound que consiste en añadir densas capas de sonido a la canción, esto crea la sensación de estar metido dentro de la música y la hace sonar gigantesca. Ahí queda lo mejor de su catálogo como ejemplo de las posibilidades del Wall of Sound.
The Crystals
Phil se desarrolló en una época donde el sencillo era lo que vendía, se prestaba poca atención al LP y pocos artistas apostaban por grabar un disco completo. Esto sirvió para que Spector tuviera tiempo de sobra en el estudio, siempre clavado en los detalles llegó a reunir a los mejores músicos de sesión, todos los que eran alguien dentro de la industria trabajaban en la grabación del nuevo sencillo producido por Phil Spector, así de importante. Se convirtió en el primer productor súper estrella. Un autor en el más estricto sentido de la palabra.
Phil Spector fue el primer autor de estudio, un genio musical que creó e inspiró grandes obras (Pet Sounds y Sgt. Peppers son descarados homenajes al sonido Spector). Su influencia se percibe hasta nuestros días en el trabajo de Trent Reznor (Nine Inch Nails), Nigel Godrich (Ok Computer, Sea Change, The Bends), Bob Ezrin (The Wall) y otros productores que utilizan el estudio de grabación como un arma más con la que pueden experimentar las inagotables posibilidades sonoras de una canción.
Lo mejor de su catalogo está reunido de forma cronológica en un box set de cuatro discos titulado apropiadamente: Back To Mono. Yo lo compré hace cuatro años en Amazon.com por poco menos de treinta dólares, una ganga. Incluye además el único disco navideño que se puede escuchar en cualquier época del año, el maravilloso: A Christmas gift for you from Phil Spector.
Back To Mono -Box Set-
Extra: El pasado 13 de Abril de 2009, Phil Spector (de 69 años) fue encontrado culpable por el asesinato (en segundo grado) de la actriz Lana Clarkson.
Actualmente cumple condena de 19 años en una prisión norteamericana. Al margen de su conducta delictiva queda el extraordinario legado musical de uno de los primeros genios de la producción. Desgraciadamente cometió un hecho asqueroso y el juicio se encargó de destapar la cloaca, a Spector le gustaba ligar mujeres bellas, embriagarse y apuntarles con armas de fuego para jugar ruleta rusa, con Lana Clarkson le salió mal y la actriz recibió un impacto de bala en la cabeza que acabó con su vida. Phil Spector jaló el gatillo.
