De la filmografía del director Ang Lee han salido algunos de los dramas más entrañables de los últimos años, esto le ha ganado un lugar especial en la historia del cine y de paso, le ha hecho merecedor de los premios más prestigiados de la industria. Es un buenazo, pero, de vez en cuando se atreve a tirarle para otro lado, experimentar en terrenos que le son, por así decirlo, un tanto ajenos.
En esta ocasión el director nos presenta Taking Woodstock, una comedia norteamericana ambientada en el verano del 69, extensión del verano del amor y año del festival Woodstock, este concierto sirve para que el director nos presente la historia -real- de Elliot Tibber, un diseñador de interiores venido a menos que termina mudándose al hotel de sus padres, un hotelucho perdido en lo más profundo de Catskills -cerca de NY- los clientes son escasos y las deudas se acumulan así que, al enterarse de la planeación de un concierto multitudinario -el Festival Woodstock- Elliot convence a los inversionistas de organizar el concierto en el campo de uno de sus vecinos. La experiencia que cambió a una generación se vuelve definitiva en la vida de Elliot, que no ha podido gozar la vida por el sentimiento de culpa que siente al dejar solos a sus padres -una madre infernal y un padre terriblemente pasivo- que a su vez, se encargan de recordarle a cada momento lo mal hijo e inútil que es.
Ang Lee retoma una anecdota real y la adereza con elementos de ficción para presentar una película modesta, sin pretensiones de acaparar los premios de la temporada. Estamos pues, ante un divertimento del director, una cinta que se disfruta más si se dejan de lado las ideas preconcebidas de lo que uno podría esperar de una película de Ang Lee. Taking Woodstock es un homenaje al fin de la infancia pero, también al estilo de vida y la cultura pop norteamericana; Un guiño sentimental al rock and roll y su capacidad para reconfortar almas, una mirada al pasado que nos presenta -a medias, falta buena parte de la música- una experiencia que cambió la cultura, pero, también la vida de un jovencito al que siempre se la había negado todo y eso, ya de entrada, me parece digno de verse en pantalla grande.
Taking Woodstock es protagonizada por Demetri Martin, Emile Hirsch y Liev Schreiber.
No son todos ni son los mejores, esos ya están publicados en otras listas. Mi selección es personal y parcial, así me gusta y así la quiero, son veintiséis discos que se convirtieron en parte importante de mi vida. Comparto con ustedes mis favoritos de la década, juntos arman el soundtrack que me acompañó en el cambio de los veinte a los treinta. Disfrútenlos.
Fue el disco que dividió a los eruditos del jazz. Norah Jones presentó una producción que mezcló la síncopa con el soul, la música country y el pop. Su sonido sedujo a miles y terminó convirtiéndose en el soundtrack oficial de cafetines y restaurantes. Independientemente de esto es un gran disco, una buena colección de canciones -standards y originales- que siguen sonando de lujo. Light, si, pero muy bien hecho.
Brandon Flowers y asociados lograron un disco que pegó fuerte. Hot Fuss es perfectamente pop y les funcionó, su sonido los convirtió en una de las bandas jóvenes más exitosas de la década. Independientemente del glamour y la moda este es debut buenazo con 11 canciones de las cuales, las primeras 5, son perfectas joyas pop. Un madrazo que no han podido repetir.
Este disco se encargó de dictar buena parte del sonido y estilo que seguiría la música electrónica por varios años. Su autor -el dj Felix da Housecat- recató el sonido dance de los ochenta y lo mezcló con sus influencias del house producido en Chicago. El resultado fue irresistible, una bomba para las pistas de baile. Queda esta grabación como una de las pioneras del género que posteriormente sería conocido como Electroclash, una de las mejores producciones house de la década.
Una de las propuestas más seductoras de la década salió de Brasil. Esta grabación, obra de la cantante Bebel Gilberto y el legendario productor Suba, se convirtió en un fenómeno a nivel mundial y de paso convirtió a sus creadores en estrellas. La cantante nos sedujo con su voz y el productor con su mezcla de géneros -jazz, bossanova y electrónica- que ha sido imitada infinidad de veces sin los mismos resultados. Escucharlo hoy sigue siendo refrescante.
Presentaron un debut contundente, fueron la banda favorita entre los indies -un término muy socorrido en la década- y al poco tiempo se olvidaron de ellos, pasaron de moda. Así de efímeros fueron algunos fenómenos, lo cierto es que Silent Alarm es un discazo. Parte esencial del sonido del rock más joven de Inglaterra.
Un disco marcado por la tragedia se convirtió en uno de los esenciales de la década. Arcade Fire no podría haber pasado desapercibido: escriben buenas canciones, son un grupo numeroso que tocan instrumentos poco o nada relacionados con el rock y al escucharlos, uno no puede más que sentirse a toda madre. Tal vez la crítica fue excesiva en alabanzas, lo cierto es que Funeral es un gran disco, de esos que a lo mejor no entran a la primera pero, a la larga, dejan una huella memorable. Al ver videos de sus presentaciones en vivo uno termina por entender el fenómeno.
Se necesitó un productor de la talla de Nigel Godrich -cuyo trabajo aparecerá en más de una ocasión en esta lista- para desinflar el ego de Macca y de paso, hacer que se esforzara en crear uno de sus mejores trabajos en solitario. El disco es una belleza, testimonio vivo de un artista que lo ha hecho todo y sigue con ganas de crear. Muchos se lo perdieron por prejuicio, bien valdría la pena que le den una oportunidad.
Matthew Bellamy y compañía tienen una seria tendencia a lo grandilocuente, eso les ha ganado igual cantidad de admiradores y detractores. Si bien sus discos anteriores son buenos fue en este donde pulieron su estilo. Aquí encontraron balance entre el rock -de tintes progresivos- y la falsa opereta al estilo Queen, las secuencias electrónicas y la vena pop. Black Holes and Revelations es un disco exagerado y me encanta.
Más cercano al country que al rock, el segundo disco de Ryan Adams lo presentó como uno de los autores más interesantes de su generación. Una colección de excelentes canciones con sonido campirano que a muchos repelió por la figura siempre azotada de su autor. Después de este seguirían discos muy buenos y otros -la mayoría- irregulares. Ryan le metió duro a los excesos, a las drogas, la sobreproducción y terminó cansando a su público. Lo cierto es que aún en sus peores momentos Ryan Adams sigue entregando buenísimas canciones.
Atacar a Bono -y de paso a U2- se ha convertido en el deporte de moda entre los amantes del rock. Lo cierto es que este, su décimo disco, es una chulada. Ahí están algunas de las cancioanes más honestas de su catálogo, una grabación que mucho le debe a sus productores, los maeses Daniel Lanois y Brian Eno que lograron sacudirle los excesos experimentales a la banda y con ello, lograr una colección casi perfecta de canciones pop. Después del 11 de Septiembre los norteamericanos se arroparon en este disco, cosa curiosa. Bono por su parte se convirtió en el blanco de los chistes más fáciles. Yo lo escucho sin prejuicio y me encanta.
Fue el disco que lo regresó al mainstream, el que lo presentó a una nueva generación que lo recibió como un grande. Morrissey ha impactado de forma definitiva la historia del rock y fue con este, su séptimo disco en solitario, que se convirtió -de nuevo- en un artista de discos relevantes y prosa afilada. Tal vez fue su exilio a la ciudad de Los Ángeles, California. Tal vez fue que se relajó un poco, lo cierto es que You are the Quarry es una de las mejores grabaciones de su carrera como solista y eso nunca será poco para un tipo con su trayectoria.
La islandesa presentó su grabación más experimental hasta ese momento, un disco de elementos mínimos que abrió la puerta al sonido de los clics and cuts. Texturas sonoras por cortesía de Matmos, momentos de armonía coral y el sonido de cajas musicales hacen que Vespertine me siga pareciendo un disco muy bello. También es recomendable el dvd: At The Royal Opera House pues complementa la experiencia de este disco al ver como se arman las canciones en vivo, de verdad es una experiencia memorable.
Son una de las bandas más representativas de la escena de Nueva York y su sonido definió buena parte de la experimentación punk de la década. Los Yeah -así les decimos de cariño- son comandados por una mujer orate y encantadora que se adueñó de los escenarios y dejó una huella difícil de borrar. Este, su primer larga duración, es un producto irregular pero entrañable. Un disco que contiene canciones que van de la locura más guitarrera a los momentos más sentimentales. Maps sigue siendo una de mis canciones favoritas.
Después de su exitoso debut, la banda caricatura creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett presentó su mejor disco hasta el momento. Una colección de temas que por su mescolanza sonora sigue sonando potente. En Demon Days hay temas de influencia reggae, electro, punk y mucho hip hop, verdadera música del mundo y absolutamente moderna. Es todo un viaje que se disfruta mejor en la fiesta, también se recomienda entrarle al dvd: Demon Days Live que presenta a los responsables del sonido Gorillaz, siempre entre las sombras para no robarle presencia a las creaciones gráficas de Hewlett.
La obra cumbre del hip hop en esta década, así de simple. Aquí están las rimas más inventivas y la prosa más contundente. El rapero buscó la producción de Kanye West, Timbaland, Just Blaze y más pesos completos del género y juntos hicieron de este un clásico. Alejado de la onda bling y del gangsta, lo propuesto por The Blueprint es cosa seria, una música cercana al soul. Hay elementos de big band, rock, pop, una delicia para el melomano y pieza indispensable para los amantes del género. Escucharlo hoy sigue siendo revelador, apto para no iniciados en el hip hop, éntrenle sin empacho.
Esta banda de Nueva York presentó un debut difícil de superar. Turn on the bright lights es un disco adictivo, oscuro, una obra que retomó las influencias del post punk más denso y lo hizo accesible para una nueva generación. Lo hecho por Interpol fue brillante, una obra indispensable para seguir el paso al sonido de la década.
El otrora líder de los Beach Boys tardó 38 años en superar sus adicciones y traumas para, por fin, entregar un disco que por sus pretensiones se convirtió en leyenda. Debió ser el sucesor de Pet Sounds -la indiscutida obra maestra del grupo- en 1966 y no pudo serlo por presiones de la disquera, pugnas internas y las fragilidad mental de Brian Wilson que, entre momentos de inspiración, genialidad y dosis de LSD se propuso grabar el mejor disco de la historia “una sinfonía adolescente para dios”. Fue hasta 2003 cuando Wilson se asoció con el letrista Van Dyke Parks y juntos completaron la obra. El resultado es sorprendente, Smile es un disco genial y musicalmente impecable. Un viaje sonoro que se debe experimentar más de una vez.
El dúo francés presentó en este, su segundo disco, una colección de temas electrónicos que marcaron de forma definitiva el sonido de la década. Para lograrlo, primero tuvieron que convertirse en robots y refinar lo hecho en su debut, el resultado fue un producto muy cercano al arte pop. En Discovery está la ruta que muchos seguirían años después: electrónica de actitud rocker, sonidos retro, voces con efecto vocoder y secuencias orates. One More Time sigue siendo uno de los himnos internacionales de la fiesta pero mi favorita es Digital Love. Se recomienda también el dvd Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem, una película animada donde cada track del Discovery es un episodio que da continuidad a la historia, fue realizado por el estudio Toei Animation.
Su nombre es Yoshimi y fue protagonista del disco más buena vibra de la década. La banda de Wayne Coyne logró, junto con la producción de Dave Fridmann, un disco que se convirtió en fenómeno de culto. Pocos se resistieron a la belleza musical de los Flaming Lips, su show en vivo mutó y se convirtieron en un performance psicodélico donde igual cabían globos multicolores y Teletubbies. Escucharlo por primera vez fue, para mi, una experiencia inolvidable.
Loretta Lynn es una leyenda de la música country, eso es indiscutible, pero en 2004 estaba un tanto olvidada. La cantante tenía 69 años y parecía que sus mejores épocas habían quedado atrás, aquí entra en escena Jack White -The White Stripes- con la idea de producirle un disco, no cualquiera, sería la obra que le devolvería la fama y de paso, le cumpliría el capricho de trabajar al lado de una de sus cantantes favoritas. El resultado fue soberbio. Van Lear Rose es un disco que rebasa el género y se convierte en una obra indispensable. La producción ganó varios premios y los que amamos la música nos quedamos con un disco entrañable donde la protagonista es siempre Loretta y su voz, esa que tiene la capacidad de darle vida a cada frase del disco.
A Beck Hansen le rompieron el corazón y esto sirvió como alimento para la creación de un clásico. Para lograrlo reclutó la producción de Nigel Godrich -prometí que aparecería más de una vez- y este a su vez se encargo arropar cálidamente el disco más autobiográfico y honesto del cantante. Beck se acompaña de la guitarra acústica en temas impregnados de dolor y nostalgia, las comparaciones con Dylan no se hicieron esperar -cosa que tampoco está mal- lo cierto es que en Sea Change encontramos a Beck en uno de sus momentos más brillantes. Me sigue pareciendo su obra cumbre.
Fueron la banda más brillante y frágil de la escena inglesa. Juntos crearon dos discos, un legado breve pero esencial para el rock actual. Ambos son piezas indispensables y por eso los pongo juntos en esta posición. The Libertines fue una banda de amigos, los mejores y más intensos -Carl Barat y Pete Doherty- decidieron vivir la autodestrucción hasta que las drogas le ganaron a la música y decidieron terminar la banda. Después de esto, Pete Doherty se convirtió en la comidilla de los tabloides. Por su parte, Carl Barat sigue intentando hacer música interesante, no puede, ninguno de los dos, se hacen falta.
Después de las agotadoras giras y la aclamación mundial lograda con el Ok Computer la banda se tomó un descanso, fue en este periodo donde empezaron a experimentar con la música electrónica y lograron otra obra maestra. Un disco que en su momento fue poco entendido por los fanáticos y la crítica más fiera que pedía más de lo mismo. Radiohead les dio la vuelta a todos con una perfecta obra de experimentación electrónica que se adelantó varios años a lo que vendría. Por cierto, Kid A fue producido por Nigel Godrich, quizá el productor más emblemático de la década.
El rock de raíces puras, ese que se nutre del blues y el country encontró en el dueto por formado por Jack y Meg White a sus más finos y puntuales exponentes. Jack White se reveló como uno de los músicos más importantes de la década y con este disco dejó una huella definitiva en la historia del rock. White Blood Cells les dio la aclamación popular, nada mal para un disco grabado a la vieja usanza: en cinta, con micrófonos de los años cincuenta en un pequeño estudio de Memphis. Muchas de mis canciones favoritas están aquí, un disco -dedicado a Loretta Lynn-que me parece perfecto, una obra honesta, directa y sin artificios, rock de neta pues.
Fue el álbum de definió como sonaba y como se veía el rock del nuevo milenio, su influencia es definitiva. The Strokes presentó un disco perfecto. This Is It suena retro, sucio y portentoso. Una obra sin más artificios que la necesidad de tocar fuerte y chingón. Los vi en vivo cuando lanzaron este disco, en un concierto ya mítico en el Salón 21 de México D.F. la experiencia fue demoledora: una banda pequeña con un gran disco y la actitud de unos grandes del rock. Todos tocaron perfecto, Julian Casablancas cantó increíble. Fue uno de los momentos más memorables con un disco que es y sigue siendo parte esencial de mi soundtrack para estos diez años, así de importante pues.
Caja original de Prince of Persia, 1989, Broderbund Software
En 1987, un joven programador llamado Jordan Mechner cambió para siempre la industria de los videojuegos, su idea fue revolucionaria: hacer que los movimientos de los personajes en pantalla fueran realistas, lo más humano posible. Algo que a la industria le tenía sin cuidado, inaudito en un medio dominado por pixeles de movimientos y animaciones burdas. Para lograrlo, Mechner grabo varias horas de video protagonizadas por su hermano, lo grabó caminando, saltando y actuando en numerosas situaciones. Lo que siguió fue historia, Mechner calcó los movimientos del video cuadro por cuadro y los programó en la computadora, el resultado fue sorprendente. Jonathan Mechner utilizó su descubrimiento y lo aplicó a un videojuego de aventuras, su nombre fue: Prince Of Persia.
Lanzado en el Verano de 1989, Prince of Persia se convirtió en un fenómeno de ventas, uno de los juegos esenciales para los que tenían computadora personal a finales de los ochenta. La premisa del juego es muy sencilla: se trata de una aventura de plataformas ambientada en un calabozo, el protagonista debe de sortear varios peligros para, al final, rescatar a una dama en peligro. Prince of Persia gustó mucho, las secuelas no se hicieron esperar y con el tiempo se convirtió en una franquicia que continúa hasta nuestros días, hay nuevas versiones del juego para Xbox 360 y las diferentes consolas de última generación. Jonathan Mercher se convirtió en una celebridad dentro del medio, el chico prodigio que se adelantó a lo que después sería conocido como Motion Capture, una técnica muy utilizada en videojuegos y el cine.
Prince of Persia es una franquicia millonaria que sigue generando noticias, la más reciente es qué, en el Verano de 2010 se estrenará una película basada en el videojuego, va con el respaldo económico de Walt Disney Pictures y es producida por el mismo equipo creativo de la serie: Pirates Of The Caribbean.
Derechos Reservados, Walt Disney Pictures, 2009.
Ayer se estrenó el primer trailer de la película: Prince of Persia The Sands of Time, se ve espectacular y bien podría romper con lo que hasta el momento ha sido casi una tradición: adaptación de videojuego a cine es igual a mala película.
Gran titulo para un ejercicio nostálgico que pretende resumir en pocos minutos los juegos más memorables del Nintendo, me refiero al Nintendo de 8 bits y no sus numerosas y a veces fallidas continuaciones.
En internet se encuentran miles de sitios que le guardan culto a la era de los 8 bits y al sistema que cambio la forma de jugar en la televisión. El Nes mandaba, los demás eran solo competidores menores. Les Yorsch al igual que muchos de su generación, pasó largas horas frente a la cálida luz del televisor, siempre con un control de Nes en las manos y la novedad más reciente insertada en las entrañas de la memorable caja gris.
Jugar Nintendo (no videojuegos) se convirtió en el standard, en la moda que definía a los que estaban en onda y los que no. Sus gráficas pixeleadas y limitada paleta de colores fueron suficientes para que los desarrolladores crearan algunos de los juegos más memorables de la historia. Cartuchos que ahora son valiosas piezas de colección.
Les comparto el video que da título a este post, fue creado por el usuario de Youtube: laffer35.
A ver cuantos juegos logran reconocer. ¿Cuál era tu juego favorito?.
La tecnología avanza a pasos agigantados, todo lo relacionado con hardware y software se mueve a un ritmo despiadado. Los que crecimos con una computadora en casa hemos sido testigos del vertiginoso ritmo de actualización y desplazamiento que han sufrido las computadoras en los últimos 10 años.
Lo nuevo es viejo en poco tiempo, en ocasiones un año es suficiente para que la última generación de computadoras sean vistas como algo del pasado. Así de voraz es el mundo del hardware. Las compañías venden el producto y a los pocos meses será necesaria una actualización o parche o modificación qué, de no hacerse, poco a poco irá excluyendo al usuario en las posibilidades de obtener nuevo software o realizar algo tan sencillo como sincronizar un reproductor de mp3.
Hoy hablamos en términos grandilocuentes: terabyte, bandwidth, firewire, blu-ray. Palabras de uso común que cada vez pierden más su significado entre un público consumidor cada vez más habituado al cambio de formato y al desecho tecnológico. Por eso, hoy se me antoja echar una mirada al pasado, un momento que seguro pintará una sonrisa entre los que, al igual que yo, han crecido en medio de este mundillo tecnológico
¿Se imaginan pagar $99 dólares por una unidad genérica de Floppy?, en 1989 eso costaba tener donde leer un disquete. Ya si uno se decidía a comprar una unidad de marca tenía que desembolsar hasta $129 dólares por una unidad de Mitsubishi. Es curioso como 20 años después podemos comprar un lector-grabador de dvd+ -R marca Mitsubishi en $350 Pesos.
En 1978 hicieron aparición los primeros discos duros de almacenamiento. Lo más avanzado del momento era una unidad de almacenamiento con capacidad de 15 megabytes (el tamaño de un archivo actual de Photoshop), ¿el precio?, $2495 dólares y además se requería de un kit de instalación que obviamente se vendía por separado. Hoy se puede comprar un disco duro con capacidad de 1 terabyte en $2,300 Pesos.
Otra maravilla tecnológica retro fue la calculadora electrónica de escritorio, en 1968 salió a la venta una joyita de la marca Sharp que por $299 dólares ofrecía la posibilidad de sumar, restar, dividir y multiplicar “justo como la gente de la NASA“. La calculadora se conectaba a la corriente eléctrica vía un cable AC o también, por $46 dólares extras se podía comprar un set de batería recargables. Hoy se puede comprar una calculadora con exactamente las mismas funciones por no más de $15 pesos.
Sería una buena idea el guardar algunas publicidades y revistas tecnológicas de hoy para revisitarlas en 10 años. Posiblemente nos sorprendamos o nos cause risa como es que pagábamos tanto por un televisor HD, un blu-ray o un teléfono móvil con aplicaciones touch.
De niño me encantaba ver la serie televisiva de Batman, esa maravilla protagonizada por Adam West y Burt Ward de la cual no me perdía ni un episodio. Al terminar la transmisión de Batman comenzaba inmediatamente otra serie basada en un héroe enmascarado, su nombre era El Avispón Verde y tenía a un ayudante karateka, juntos surcaban las calles un carro de poca madre. Así pasaba las tardes viendo las aventuras de esos héroes tan peculiares. Cuál va siendo mi sorpresa cuando cierto día en un episodio de Batman apareció el Avispón Verde, fue la locura, los dos héroes juntos.
Hoy por la mañana recordé ese episodio, una curiosidad perdida en el tiempo que recupero para ustedes gracias a youtube y sus usuarios (va en 4 clips):
Estoy conociendo la historia del hip-hop, los artistas y discos más representativos de este genero que en fechas recientes se ha ido colando en mi gusto personal. Por casualidad me encontré con Ready To Die, un disco creado por The Notorious B.I.G. y quedé sorprendido.
Ready To Die es un disco concepto, una suerte de The Wall o Ziggy Stardust del rap. El álbum comienza con el nacimiento del Notorious B.I.G. y pista tras pista nos va contando la historia de su vida: una niñez poblada de carencias, el cáncer de su madre, los inicios en el crimen y por consecuencia los años en prisión, depués el éxito como estrella del rap y los excesos. Así verso tras verso vamos conociendo la vida de uno de los raperos más talentosos de la historia. Una vida llena de dolor que termina con un track donde el artista aparenta suicidarse frente al micrófono.
El disco salió a la venta el 13 de Septiembre de 1994 y no ha perdido su frescura, recomiendo poner especial atención a los detalles de producción: efectos de sonido que recrean las calles más peligrosas de Nueva York, disparos, mujeres, fiesta, excesos y droga, mucha droga.
“My shit is deep, deeper than my grave G
I’m ready to die and nobody can save me
Fuck the world, fuck my moms and my girl
My life is played out , I’m ready to die”
Fragmento de la canción: Ready To Die
The Notorious B.I.G.
The Notorious B.I.G. (Christopher George Letore Wallace) murió asesinado (en circunstancias que siguen sin aclararse) el 9 de Marzo de 1997, su discografía se limita a dos discos Ready To Die y Life After Death (el álbum de hip-hop más vendido de la historia). Su estilo para rapear y sus letras autobiográficas lo convirtieron en leyenda. Ready To Die según la Rolling Stone es uno de los mejores discos de la historia. Vale la pena escucharlo ya que es un fiel reflejo de una época y lugar determinado, me refiero al Nueva York de los noventa, cuando el Gangsta era un estilo de vida real y los raperos (muchos de ellos ex convictos) eran tipos verdaderamente peligrosos.
“I made the change from a common thief
To up close and personal with Robin Leach
And I’m far from cheap, I smoke skunk with my peeps all day
Spread love, it’s the Brooklyn way
The Moet and Alize keep me pissy
Girls used to diss me
Now they write letters ’cause they miss me”
Fragmento de la canción: Juicy
The Notorious B.I.G.
Ready To Die es un clásico del genero, un documento que narra la vida callejera: violencia como inspiración, violencia como sinónimo de éxito y la necesidad de sobrevivir a como de lugar. No se confunda, el álbum es duro pero también extremadamente funky, muy accesible al oido. Una buena recomendación para los que están cansados de puro rock. Pueden descargarlo dando clic aquí.
El Independent Film Channel publicó una lista con lo que según su criterio son los 50 mejores trailers o avances cinematográficos de todos los tiempos. Como en este sitio nos encantan este tipo de listas se las comparto, solo incluiré video en el top 15, el resto tendra link a Youtube, den clic y disfrútenlo.
7. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964)
6. Citizen Kane (1941)
5. Comedian (2002)
4. Miracle on 34th Street (1947)
3. Cloverfield (2008)
2. Psycho (1960)
1. Alien (1979)
En Hollywood existe toda una industria dedicada a armar este tipo de avances o trailers. Los ejemplos enumerados por el IFC son grandes obras que invitan a pagar un boleto para ver la película en cuestión.
Existe también el caso contrario, cuando el avance resulta mucho más emocionante que la película o cuando el trailer expone lo mejor de la cinta y cuando uno la ve resulta que ya nos quemaron la mejor parte. Prometo un post dedicado a este tipo de experiencias.
Admito con orgullo que fui poseedor de la consola Phillips CD-i (posicionada en el número 4) esta funcionaba más como un reproductor de software infantil y sus capacidades para juegos no iban más allá del apunta y clic. Aburrida pero en ese momento la pasamos bien, juegos en cd, eso parecía muy futurista en 1991.
