Por fin aparecen las primeras secuencias de la película A Nightmare On Elm Street, remake de la popular saga de películas de horror ochenteras protagonizadas por Freddy Krueger. En esta ocasión, el encargado de traer al asesino del guante y presentarlo a una nueva generación es el director Samuel Bayer, un tipo cuyo nombre ya está escrito con letras de oro en el salón de la fama del mondo ñoño pues ha sido director de varios videoclips memorables, entre ellos el maravilloso Smells Like Teen Spirit de Nirvana. En fin, los resultados no se aprecian del todo en estas imágenes y solo nos queda esperar que llegue la cita y que el resultado no sea decepcionante, cosa que se antoja difícil pues el encargado de darle vida a Krueger es el actor Jackie Earle Haley -Rorschach en Watchmen-
Comparto dos clips, el tralier oficial y un video detrás de cámaras. Fanáticos del horror, a disfrutar:
A Nightmare On Elm Street se estrena el 30 Abril de 2010.
De la filmografía del director Ang Lee han salido algunos de los dramas más entrañables de los últimos años, esto le ha ganado un lugar especial en la historia del cine y de paso, le ha hecho merecedor de los premios más prestigiados de la industria. Es un buenazo, pero, de vez en cuando se atreve a tirarle para otro lado, experimentar en terrenos que le son, por así decirlo, un tanto ajenos.
En esta ocasión el director nos presenta Taking Woodstock, una comedia norteamericana ambientada en el verano del 69, extensión del verano del amor y año del festival Woodstock, este concierto sirve para que el director nos presente la historia -real- de Elliot Tibber, un diseñador de interiores venido a menos que termina mudándose al hotel de sus padres, un hotelucho perdido en lo más profundo de Catskills -cerca de NY- los clientes son escasos y las deudas se acumulan así que, al enterarse de la planeación de un concierto multitudinario -el Festival Woodstock- Elliot convence a los inversionistas de organizar el concierto en el campo de uno de sus vecinos. La experiencia que cambió a una generación se vuelve definitiva en la vida de Elliot, que no ha podido gozar la vida por el sentimiento de culpa que siente al dejar solos a sus padres -una madre infernal y un padre terriblemente pasivo- que a su vez, se encargan de recordarle a cada momento lo mal hijo e inútil que es.
Ang Lee retoma una anecdota real y la adereza con elementos de ficción para presentar una película modesta, sin pretensiones de acaparar los premios de la temporada. Estamos pues, ante un divertimento del director, una cinta que se disfruta más si se dejan de lado las ideas preconcebidas de lo que uno podría esperar de una película de Ang Lee. Taking Woodstock es un homenaje al fin de la infancia pero, también al estilo de vida y la cultura pop norteamericana; Un guiño sentimental al rock and roll y su capacidad para reconfortar almas, una mirada al pasado que nos presenta -a medias, falta buena parte de la música- una experiencia que cambió la cultura, pero, también la vida de un jovencito al que siempre se la había negado todo y eso, ya de entrada, me parece digno de verse en pantalla grande.
Taking Woodstock es protagonizada por Demetri Martin, Emile Hirsch y Liev Schreiber.
El 19 de Enero se estrena en cines -solo en Inglaterra- la película documental de Blur llamada No Distance Left to Run. La cinta fue armada con imágenes de la más reciente reunión de la banda en el festival Glastonbury. Se mostrarán también escenas de la historia del grupo; Videos caseros y profesionales que documentan los altibajos de la banda más emblemática del movimiento britpop.
La buena noticia es que a los pocos meses de su estreno será lanzado en dvd a nivel mundial, en esta esquina ya lo estamos esperando y para prender más los ánimos les comparto el trailer oficial de No Distance Left to Run, tengo que admitir que me puso la piel chinita, soy fan:
A mediados del año pasado recibí como regalo un libro llamado Estudio en Escarlata, se trata de la primer aventura del detective inglés Sherlock Holmes. Lo leí y quedé prendado del personaje y su fiel compañero, el Dr. John Watson. En el texto -obra de Arthur Conan Doyle- Holmes y Watson son un par perfecto, Sherlock es un mirón obsesivo, amante de los vicios y las enigmas mientras que el doctor es la representación más fría del hombre de ciencia. Hoy fui a ver la más reciente encarnación del personaje, una película dirigida por Guy Ritchie que intenta presentar las aventuras del detective a una nueva generación. El resultado, desgraciadamente, no es del todo favorable.
Admiradores de la obra de Arthur Conan Doyle, esta película no es el Sherlock Holmes de los libros -cosa que tampoco está mal- se trata de una versión al estilo Guy Ritchie, dicho esto ya sabemos que esperar: peleas de box a puño limpio y en cámara lenta, ingleses gigantes y mucho, mucho estilo. La película es protagonizada por Robert Downey Jr. como Sherlock Holmes y Jude Law como el doctor Watson, ahí está la primera falla, el casting. Robert Downey Jr. le inyecta un carisma irresistible al personaje y la película se beneficia mucho de su encanto como actor, eso no pasa con Jude Law cuyo trabajo se siente forzado y aburrido, parece que la comedia no es lo suyo y -pecado mortal- no logra transmitir química con Robert Downey. El segundo problema es que el proyecto le quedó grande a Guy Ritchie, que no pudo -o no quiso- dejar a un lado los referentes obligados y al final nos presentó una mezcla de Snatch con Lethal Weapon ambientada en el siglo XIX.
La película se disfruta a medias y queda la sensación de que se pudo hacer algo diferente, con más sustancia y mejor guión, una historia donde las cualidades como detective de Holmes no sean solo un adorno sino el eje central de un emocionante thriller criminal. Aplaudo la intensión de revitalizar la obra de Doyle, de traer el personaje al ritmo vertiginoso de la generación Twitter pero, en esta ocasión les salió regular.
Para los que no pueden esperar a que llegue el Verano cinematográfico, el sitio Rotten Tomatoes está exhibiendo en exclusiva un clip de la película Toy Story 3. No hay mayores spoilers y solo incrementa las ganas de verla.
Soy un gran admirador del trabajo del estudio Pixar, por eso, aunque me toma por sorpresa la noticia de que esta tercera parte no será dirigida por John Lasseter -creador del concepto y director de las dos primeras- sigo tremendamente entusiasmado con la idea de reencontrarme con los personajes, en cine y en 3D.
Este caso lo he visto antes y no por eso deja de sorprenderme: una película independiente, hecha con presupuesto limitadísimo y al margen de la industria de Hollywood se convierte en un fenómeno taquillero. En las últimas cinco décadas de producción cinematográfica se han presentado este tipo de fenómenos, películas baratas -casi siempre óperas primas- que logran conectar con el público masivo que, a su vez, las convierte en grandes generadoras de dinero. Esto parece destinado a repetirse cada 10 años en el cine de terror, un género que se ha encargado de confirmar que, para hacer una buena película, una que de verdad de miedo, no hacen falta más recursos que una buena idea bien dirigida. ¿Ejemplos? en los sesenta fue la película Night of the Living Dead de George A. Romero, en los setenta Halloween de John Carpenter, los ochenta fueron para Evil Dead de Sam Raimi, The Blair Witch Project de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez en los noventa. Esta década el fenómeno es para Paranormal Activity. Una película hecha con una cámara digital de formato medio, sin efectos especiales digitales, sin iluminación profesional. Una cinta cuyo director -Oren Peli- se encargó de escribir, producir, grabar y editar con la ayuda de 4 personas en su equipo técnico y dos actores que ganaron $500 dólares por su trabajo. La cinta costó $15 mil dólares y ha generado hasta el momento poco más de $100 millones de dólares tan solo en Estados Unidos.
Teniendo en cuenta todo lo anterior, no puedo negar que me dieron ganas de verla, soy un adicto confeso al género de lo truculento. Así que entré a la sala, me dispuse a disfrutarla y así fue. Actividad Paranormal -su nombre de exhibición en México- no es una película perfecta, tampoco se convertirá en un clásico del género pero, es una producción bien lograda, con una buena cantidad de sustos que al final hacen que la experiencia sea gozosa.
Paranormal Activity cuenta la historia de Katie y Micah, una pareja de San Francisco, California cuyas noches empiezan a ser aterradoras debido a una serie de fenómenos inexplicables: puertas que se abren y cierran, sonidos de pasos, cosas que se pierden y después aparecen, objetos que se caen al piso sin motivo. Micah -el novio- decide tomar cartas en el asunto y compra una cámara de video -la película está armada en base a lo que está cámara graba- para documentar lo que ocurre en casa por las noches. Así el director nos presenta una cinta contada a manera de cámara testigo, al estilo de The Blair Witch Project, una referencia inevitable por el tipo de narrativa. Micah deja la cámara grabando todas las noches y en un espacio de tres semanas, la vida de la pareja se convertirá en un infierno al darse cuenta que los sonidos son causados por un demonio que, desde hace mucho tiempo ha estado presente en la vida de Katie. El desenlace solo podría ser trágico y así es.
Oren Peli acierta con esta, su primer película, al presentar una historia que al ser contada en cámara testigo es muy fácil que el espectador se meta en la piel de los protagonistas -dos actores bastante cumplidores- y que, de cierta forma seamos cómplices del artificio que nos presenta el hecho -la documentación en video de una casa embrujada- como si en verdad hubiera pasado. Los sustos están ahí, en lo cotidiano y lo realista, en mostrarnos lo vulnerables que somos al estar dormidos, en explotar al máximo el silencio como generador de tensión. Los momentos aterradores de la película no son debido a efectos especiales sofisticados, estos se logran explotando inteligentemente algunos de nuestros miedos más primigenios: la oscuridad, los ruidos extraños, la presencia de lo desconocido. Miedos que de cierta forma nos recuerdan los vividos en la niñez. La cinta funciona pues logra convertir una serie de grabaciones caseras en una experiencia tenebrosa. Lo repito, no es perfecta y tampoco busca serlo.
El director grabó esta cinta en 2007 con lo firme intensión de asustar, tengo que decir que lo logra de forma de forma elegante y de paso le da una patada en el culo a cintas como Saw, Destino Final y más productos maquilados en serie que a nadie asustan y solo sirven para reafirmar la idea -siempre errónea- del terror como un género menor.
A más de un mes de su estreno en cartelera me decidí a ver Luna Nueva, segunda parte de la saga Crepúsculo. Lo hice de forma moderada: en una sala pequeña donde los que estábamos -en su mayoría adultos- no éramos los fanáticos de las novelas escritas por Stephanie Meyer, esos vieron la película en su semana de estreno y se aseguraron de convertirla en una de la más taquilleras de la historia del cine. Dicho esto la curiosidad se vuelve más tentadora, ¿qué tiene de especial esta cinta que ha logrado enloquecer al mundo entero? la respuesta se me escapa.
La historia presenta pocas novedades a lo visto en la entrega anterior: Bella está obsesionada con la idea de convertirse en vampira para pasar la eternidad al lado de su novio, el soporífero y siempre azotado Edward Cullen, un vampiro que no muerde ni hace mal y se espanta hasta de un vegetal -con perdón al Conde Pátula- Edward a su vez se la pasa sufriendo el dilema moral de convertir o no en vampira a su chica. Así ambos pasan los días hasta que un incidente hace que Edward decida dejar a Bella, lo hace no por falta de amor -ese le sobra y el guión se encarga de recordárnoslo cada que el personaje abre la boca- sino por respeto a la vida de su amada cuya existencia siempre está en riesgo desde que decidió ligarse a un vampiro. Con el rompimiento y posterior abandono de Edward la vida de Bella se desmorona, ahí entra Jacob, un joven hombre lobo que luchará -siempre sin camisa- por ganar el amor de Bella y hacerla olvidar al aburrido vampiro que, de forma casi acosadora, se le sigue apareciendo a su amada cada que esta está a punto de hacer alguna estupidez que ponga en peligro su vida. Edward, o mejor dicho, la cabeza flotante de Edward Cullen se convierte en la conciencia de Bella y esta en su obsesión por seguir viendo al vampiro se pone en peligro constante para que se le manifieste hasta que, por una terrible confusión, Edward piensa que su amada ha muerto así que, sin más motivo por vivir -es en serio- decide viajar a Europa para ser sacrificado por un grupo de vampiros refinados. Será labor de Bella el salvar a su amado de tan terrible confusión.
Los lobos descamisados de Luna Nueva
Luna Nueva es una película con serios problemas, el primero y más importante es que se trata de una cinta sin actores profesionales. No me mal interpreten, se que los tres protagonistas tienen experiencia en el medio pero, lo cierto es que no son actores. Ninguno -Edward, Bella o Jacob- logra darle vida a su personaje y por consecuencia es imposible conectar con ellos y lograr que nos importe por lo que están pasando. Son personajes planos, guapos y guapas eso si, pero aburridos, carentes de viscera, esto también es consecuencia del guión, los parlamentos de Edward parecen compilados de la peor colección de tarjetas Hallmark. Las situaciones son efímeras y sacadas de la manga, no hay tensión dramática, no hay agilidad, se trata de un bloque de sentimientos poco realistas -en el mundo de Luna Nueva está bien que una chica ponga en peligro su vida para que el ex novio la rescate y así poder verlo de nuevo- y estúpidos que la convierten en un tabique imposible de digerir.
Continúan las proyecciones de cine gratis en Mezzo Café. En esta ocasión hemos programado un ciclo para gozar la Navidad, películas de temática decembrina para toda la familia. Todos los Miércoles del mes de Diciembre en punto de las 8 pm. Va por cortesía del Mezzo Café, ahí nos vemos, se pone bueno.
NOTA: Las proyecciones se cambiaron a los Miércoles solo por este mes, en Enero regresaremos a nuestros habituales Jueves.
Entré al cine para ver una cinta sobre el fin del mundo, me senté y con una bandeja de nachos sobre la rodilla me propuse gozar la función. Los nachos fueron disfrutables, la película no.
2012 es dirigida por Roland Emmerich, un tipo obsesionado con aniquilar a la raza humana y que, de alguna forma, siempre consigue que los estudios de Hollywood patrocinen sus obsesiones megalómanas. La filmografía del director está plagada de excesos que, en retrospectiva, se convierten en un curioso objeto de estudio, Emmerich es un director cuyas principales cualidades no se dan tras la cámara sino en las juntas de marketing, bajo su tutela se han producido algunas de las cintas más caras, ridículas y exitosas de los últimos 15 años. Su nombre es sinónimo de cataclismos, explosiones y actuaciones acartonadas, 2012 no es la excepción.
La cinta parte de un hecho tramposo y lo convierte en premisa: en el año 2012 sufriremos el fin de la civilización humana, esto según una profecía incluida en el calendario Maya. Así pues, Emmerich, nada tonto, aprovecha la cercanía de la fecha y el morbo de la gente para presentar una película donde un padre divorciado intenta salvar a su familia. Así de simple, así de plagio de La Guerra De Los Mundos versión Steven Spielberg.
Roland Emmerich no es un director de actores, lo suyo son las secuencias de acción -malas por cierto- y las escenas de explosiones donde, inevitablemente, veremos volar en mil pedazos algún monumento histórico. 2012 es protagonizada por un aburrido John Cusack, su trabajo se nota forzado y es imposible conectar con el en medio de tantos clichés y personajes secundarios metidos con calzador, otro punto. La cinta está plagada de personajes que poco aportan a la historia, se nota una intención de tenerlos ahí para, en algún momento, utilizarlos como generadores de momentos cursis y de mal gusto por su inverosimilitud, ejemplo: un padre utiliza los últimos segundos de vida al lado de su familia para llamar por teléfono.
2012 es una película fallida en todos los sentidos, dura casi tres horas y poco entretiene, los efectos son buenos no lo niego pero, esto ya lo hemos visto antes, en otras películas del mismo director que ha hecho explotar la Casa Blanca tantas veces que ya resulta difícil diferenciar una película de otra. Explosiones, gente gritando, personajes de cartón y sensiblería barata. Todo esto revestido con lo último en tecnología y efectos especiales que ya a nadie emocionan.
Caja original de Prince of Persia, 1989, Broderbund Software
En 1987, un joven programador llamado Jordan Mechner cambió para siempre la industria de los videojuegos, su idea fue revolucionaria: hacer que los movimientos de los personajes en pantalla fueran realistas, lo más humano posible. Algo que a la industria le tenía sin cuidado, inaudito en un medio dominado por pixeles de movimientos y animaciones burdas. Para lograrlo, Mechner grabo varias horas de video protagonizadas por su hermano, lo grabó caminando, saltando y actuando en numerosas situaciones. Lo que siguió fue historia, Mechner calcó los movimientos del video cuadro por cuadro y los programó en la computadora, el resultado fue sorprendente. Jonathan Mechner utilizó su descubrimiento y lo aplicó a un videojuego de aventuras, su nombre fue: Prince Of Persia.
Lanzado en el Verano de 1989, Prince of Persia se convirtió en un fenómeno de ventas, uno de los juegos esenciales para los que tenían computadora personal a finales de los ochenta. La premisa del juego es muy sencilla: se trata de una aventura de plataformas ambientada en un calabozo, el protagonista debe de sortear varios peligros para, al final, rescatar a una dama en peligro. Prince of Persia gustó mucho, las secuelas no se hicieron esperar y con el tiempo se convirtió en una franquicia que continúa hasta nuestros días, hay nuevas versiones del juego para Xbox 360 y las diferentes consolas de última generación. Jonathan Mercher se convirtió en una celebridad dentro del medio, el chico prodigio que se adelantó a lo que después sería conocido como Motion Capture, una técnica muy utilizada en videojuegos y el cine.
Prince of Persia es una franquicia millonaria que sigue generando noticias, la más reciente es qué, en el Verano de 2010 se estrenará una película basada en el videojuego, va con el respaldo económico de Walt Disney Pictures y es producida por el mismo equipo creativo de la serie: Pirates Of The Caribbean.
Derechos Reservados, Walt Disney Pictures, 2009.
Ayer se estrenó el primer trailer de la película: Prince of Persia The Sands of Time, se ve espectacular y bien podría romper con lo que hasta el momento ha sido casi una tradición: adaptación de videojuego a cine es igual a mala película.
