La promoción fue cerrada el miércoles 17 de de noviembre de 2010 a las 2:02 pm. Gracias a todos por participar. Los ganadores recibieron un correo electrónico con la información necesaria.

Hoy en el Callejón nos vestimos de Gran Gala, y para celebrar que este día también salió el solecito, El Callejón Magenta y Columbia Pictures les vamos a regalar a los nuestros asiduos lectores veinte pases dobles para la premiere  exclusiva de la cinta “Red Social”. Este Magno Evento de cochinada tendrá lugar el día jueves 18 de noviembre a las 20:00 horas en Cinépolis Galerías en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México.

"Red Social" es la nueva cinta del realizador David Fincher, en su haber tiene también "El Club de la Pelea" "Zodiac" y "El curioso caso de Benjamin Button"

¿Qué hay que hacer para ganar? Pues han de enviar un correo electrónico a la dirección pandeperro@gmail.com en el que contesten a las siguientes tres preguntas:

¿Cuando tildas a alguien de geek, a qué te refieres?

¿Crees que las personas que entran dentro de la etiqueta geek muestran ciertos atributos físicos y en su vestimenta que los identifiquen como tales, cuáles son según tu opinión?

¿Qué crees tú que mueve a una persona a abrir un blog, cuál piensas que sea su motivación?

No olvides incluir tu nombre completo y tu teléfono. Los ganadores recibirán un correo electrónico de vuelta con las instrucciones para asistir.

¡En el Callejón les agradecemos su interés para participar!

“¡Este mundo está hecho de amor y paz!”

-Vash “La Estampida”

Desde la infancia adoré -y también fuí traumatizada, cómo no- por esos dibujos animados japoneses llamados anime. Aquí en el callejón hemos coleccionado manga desde el 1997. Sin haber llegado jamás a ser otakus, hemos disfrutado inmensamente de las vertiginosas líneas, las sangrientas tramas y los carismáticos personajes que nos brinda lo mejor del cómic nipón. Hoy les hablaré de uno de mis animes favoritos. Salió en el mismo año en el que alegre e ingenuamente aprendía a hacer monos en una apestosilla cochera en avenida Vallarta: 1998. Y el manga en el que está basado vió la luz en Japón en 1995. O sea que ya llovió. Pero la película salió apenas este año, 2010.

Trigun fué parido por las manos y la mente del señor Yasuhiro Nightow. La historia nos lleva a cientos de años en el futuro. La raza humana ha tenido que abandonar la Tierra para colonizar otros planetas. El mundo desértico de Gunsmoke provee la atmósfera a los personajes que han de encontrarse para hacernos reír y llorar a lo largo de 26 capítulos.

Portada del tomo 6 del manga

Trigun tiene todo el aspecto de un western espacial con elementos de steampunk y ciencia ficción. En Gunsmoke hay enormes barcos-cruceros que se desplazan a lo largo de la arena, propulsados por motores de vapor. La gente porta rifles y viste muy a la Clint Eastwood en filmes como Unforgiven o The good, the bad, and the ugly. Los pueblos tienen nombre de meses del año, el agua escasea, y también hay compañías de seguros.

Es en este mundo en pañales donde circula la terrible leyenda del legendario pistolero Vash “La Estampida”, también conocido como “El huracán humano”. Este tipo alto, de apariencia indefinida -la gente nunca sabe a ciencia qué clase de rostro tiene- siembra el terror ahí por donde va. Ha destruido pueblos -y vidas- enteras, nació con una estrella negra,  nadie desea ponérsele enfrente, y sin embargo, para quien logre atraparlo, hay una recompensa de 60 millones de doblondólares (la moneda oficial del planeta).

Vash, el infame pistolero

Sobre la estela de destrucción de este hombre van dos amables señoritas: Meryl Strife y Millie Thompson. Las dos chicas reciben la encomienda de vigilarlo las 24 horas del día para minimizar los daños que ocasiona. La compañía en la que trabajan: Seguros Bernardelli, se encuentra al borde de la quiebra por cubrir los gastos de les ocasionan los actos de este criminal.

Meryl y Millie eventualmente encuentran a Vash, y descubren, con inmensa incredulidad, que este tipo es francamente amable, idealista al extremo de no querer jamás matar a nadie -aunque esto le signifique recibir innumerables heridas-, y que su fama es el resultado de una aciaga cadena de infortunios.

De izquierda a derecha: Vash, Meryl, Wolfwood y Millie

A lo largo de la trama descubrimos las facetas de todos los personajes: al principio Vash es el típico idiota letal, al final es un hombre complejo que esconde tremendas sombras tras la fachada de sus falsas sonrisas. Meryl, la chica ñoña e inflexible, se enamora del pistolero sin sospechar que la diferencia de edades es mucho más profunda de lo que parece. Millie es una chica aguda y sensible debajo de su bobaliconería. Y están, por supuesto, el resto de los personajes que van apareciendo en el camino de estos tres. Uno de mis favoritos es Nicholas Wolfwood, un sexy sacerdote que porta una cruz metálica de su tamaño, en la que “carga todos su pecados”. La cruz está repleta de revólveres cargados. Nicholas bromea diciendo que la cruz es tan pesada porque “está llena de misericordia”.

Trigun es un anime en el que todos sus personajes están en la búsqueda de la redención. De una u otra manera. A algunos de estos, ésta sólo les llegará con la muerte.

El manga en el que está basada la serie animada consta de 14 volúmenes y ha sido publicada por la editoral Dark Horse en inglés. El manga es mucho más complejo que el anime, hay más personajes, es más violento y también más humorístico. Los dibujos de Nightow no son espectaculares, son más bien un tanto burdos, las proporciones no están muy bien logradas aunque la acción se lee perfectamente. El arte de la serie de TV es mejor, más acabado. El estudio a cargo de la realización fué Madhouse.

Trigun ha gozado de una inmensa popularidad. Vash se ha ido convirtiendo en el forajido preferido de muchos. Hay incluso un video -de excelente factura- en youtube en el que Spike de Cowboy Bebop va detrás de él. Aquí les dejo el link. La serie completa, doblada al español latino, también pueden verla todititita en en mismo sitio.

Trigun se encuentra con Cowboy Bebop

Este año se estrenó en Japón la película de Trigun, titulada Badlands Rumble. No sabemos aún cuándo podremos verla aquí. Les mantendré informados.

En el callejón también andamos tras el rastro del Huracán Humano, y sin querer cobrar un centavo de la recompensa.

Hoy se cumplen 35 años de de que la pelicula “Monty Python and the Holy Grail” o, “Los caballeros de la mesa cuadrada”, como fué llamada en Latinoamérica, fuera lanzada en Estados Unidos. Para comemorarlo, más de 60,000 personas han bombardeado con citas proveyentes tanto de las cuatro cintas del genial sexteto de cómicos británicos como de sus sketches televisivos, la red social facebook.

Los integrantes de Monty Python

La cinta, lanzada en 1975 y protagonizada por los Monty Python (Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones y Michael Palin) está basada -vagamente- en las aventuras que el Rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda viven para encontrar el más elusivo, sagrado y venerado objeto de todos los tiempos: el Santo Grial. Si al final de su periplo encuentran la reverenciada pieza de vajilla o no, es algo que no les revelaré aquí por si no la han visto. Lo que cuenta es cómo los ingleses se valen de la leyenda del Rey Arturo para hacer una ácida crítica social de la Inglaterra moderna a través de una puesta en escena medieval absolutamente divertida, inteligente y absurda. La falta de presupuesto es notoria a lo largo de sus 91 minutos de duración -fué rodada en sólo un mes-, pero eso no impidió que se convirtiera en un clásico, y las consecuencias del escaso presupuesto inspiraron algunas de sus escenas más memorables. Un ejemplo de ello es el hecho de que, debido a la imposibilidad de alquilar caballos reales para el film, los caballeros aparecieran en pantalla junto a sus escuderos, que entrechocaban dos cocos entre sí para imitar el sonido de los animales. Esta original idea se convirtió en una de las muchas señas de identidad de la película.

Hay muchos personajes inolvidables, por supuesto, aparte de los caballeros. Mi favorito es el salvaje conejito de Caerbannog -interpretado por la mascota de una buena anciana y un mono barato de peluche embarrado de sangre de utilería-, a quien deben derrotar usando la santa granada de mano de Antioquía -una parodia al Orbe Soberano, pieza fundamental de las joyas de la corona de Inglaterra, presente en todas las coronaciones- no puedo dejar de mencionar a  las sensuales chicas que habitan el Castillo Antrhax, sin más ocupación que bordar provocativas piezas de lencería -a donde va a parar Galahad, el casto caballero y luego es “rescatado” por Lancelot- los soldados franceses, los caballeros que dicen Ni, y no podían faltar los villanos por excelencia: la policía.

La cinta tiene un final completamente inesperado pero encaja a la perfección con el grado de delirio y absurdo que alcanza el humor de la película.

Ya no les cuento más, véanla. Y bótense de la risa. No se pierdan las otras cintas de los Python (And now for something completely different, Monty Python´s Life of Brian y Monty Python´s The Meaning of Life) y los sketches del programa de televisión que tuvieron a finales de los sesentas en el Reino Unido:  Monty Python´s Flying Circus.

Uno de los pósters de la película, en el grial, el hermoso conejito de Caerbannog

Tenía sólo siete años cuando la vi por primera vez. Y 23 años más tarde, por culpa de ella, llevo desde hace unos días un solo arete de plata en forma de unicornio pendiendo de mi oreja derecha. También tengo un dije de pewter con la misma forma. Podrían sacarse muchas conclusiones de esto: que si el cuerno espiralado de esta bestia fantástica es un símbolo fálico, que si nunca he crecido, que si me escapo de la realidad. Todo eso es basura. He revisado la génesis de mi amor por estos animales mitológicos. Y es la que les voy a contar.

Pasaron la película una noche. Mis padres me la grabaron en la fiel Betamax. La cinta, en dibujos animados –maravillosos-, narraba las desventuras de el último unicornio que quedaba en el mundo. Recuerdo la música, el intro, las rimas maniáticas de la mariposa que le hace saber a la unicornio que un terrible ser llamado El Toro Rojo empujó a todos los de su especie –menos a ella- hacia el oceáno. Y el viaje que ella emprende en búsqueda de sus congéneres. Un viaje que la lleva a darse de frente con algo aún más pavoroso que el infame bóvido del color de la sangre vieja: el amor. Parece un lugar común, pero el último unicornio se convierte en el único que sabe lo que es amar, y sentir remordimiento.

El poster promocional de la película, en la imagen, el infame Toro Rojo

"Soy el último unicornio que queda en el mundo"

No podía sino sentir una pena inmensa por la unicornio. Agotada en los caminos de los hombres, ninguno la reconoce por lo que es. Todos ven una yegua blanca. Intentan apresarla. Poseerla. De todos logra escapar. Menos de la bruja Mommy Fortuna y su Carnaval de Medianoche, quien a pesar de su mezquino corazón logra reconocerla a la vera del camino.

Mommy Fortuna usa trucos de quinta para lograr que la gente reconozca a la unicornio atrapada. “Es la única forma en que en estos tiempos alguien pueda reconocer a un verdadero unicornio”- le dice. Y es que todo el show de la bruja consiste en engaños. Embruja a sus tristes animales cautivos para que parezcan una quimera, una mantícora, un sátiro. La gente, embotada, queda completamente engañada. Y paga por ver.

Entonces entra en escena el incompetente mago Schmendrick. Él libera al unicornio no con su magia, sino robándole las llaves de la jaula al otro chalán, un pobre diablo llamado Rukh. Schmendrick está bajo una maldición: la de la inmortalidad. Sólo podrá envejecer y luego morir cuando se convierta en un mago de verdad.

Y así esta película, y el libro, el cual tuve la fortuna de comprar hace unos años en Seattle, trata sobre quiénes somos en la realidad, y quiénes pueden vernos en todas nuestras fortalezas y debilidades. Sobre la pobreza de la conformidad, sobre el valor de arriesgarse a dejar el autoengaño.

Ahora tengo 30 años, y aún no he visto un unicornio. Me pregunto si no me irá a pasar como a Molly Grue, la segunda acompañante del último unicornio en su búsqueda. La tercera persona capaz de reconocerla.  Me pregunto si no le diré, cuando lo vea, lo mismo que Molly: “¿Dónde estabas hace diez años, hace veinte años?, ¿Dónde estabas cuando yo era pura? Cuando yo era una de esas doncellas inocentes a las que siempre te acercas… ¿Cómo te atreves…?,¿Cómo te atreves a venir ahora?, ¡¿Cuándo soy esto?!”

Esta escena me partía el corazón de niña. Ahora, con mayor razón.

No dejen de ver “El último unicornio” la película salió en 1982. La produjo el estudio Rankin/Bass -si, los mismos que animaron series como Halcones Galácticos y Thundercats-  en la versión en inglés, las voces son de Mia Farrow, Jeff Bridges, Alan Arkin y Angela Lansbury. La música es de América. Pueden comprarla, con un poco de suerte, en Mixup.

Y tampoco se pierdan la novela, el autor es el fabuloso Peter S. Beagle. La encuentran en inglés en amazon.com. La casa editorial es Roc Trade.

El director tapatío Guillermo de Toro comenta, dentro de los extras del DVD de El Laberinto del Fauno, que las ilustraciones del británico Arthur Rackham lo influenciaron grandemente para el diseño del personaje que da nombre a la cinta.  También, en la película Hellboy, el árbol que crece en el altar ante el cual llevan a Hellboy en Escocia era llamado por el realizador, “el árbol Rackham”.

Un típico árbol de Arthur Rackham. La imagen se titula "Los árboles y el hacha" está basada en las fábulas de Esopo

El señor Rackham solía, a sus 18 años, trabajar como oficinista en Londres por allá en los alegres años de la época victoriana. Eran tiempos dickensianos también, aquellos en los que los oficinistas jugaban papeles importantes tanto en la ficción como en la vida real. Arthur iba, en su tiempo libre, a la Lambeth School of Art, y también era ocasionalmente reportero para el Pall Mall Budget. Poco a poco fué tomando confianza para incursionar en el campo de la ilustración, y aunque sus primeros trabajos dejaban ver una gran facilidad para el dibujo, no parecía que fuera a perfilarse como el maestro de la ilustración en el que se convirtió.

Finalmente, en 1892, la oficina le quedó chica a Arthur y renunció a su trabajo de sueldo fijo para perseguir una carrera en el azaroso campo de la  ilustración. Fué un artista que se labró su estilo a la vista de todos. Sus primeros trabajos muestran a un ilustrador en la búsqueda de su propia voz. Carecían del alma que más tarde empaparía cada una de sus pinturas.

Una de las primeras ilustraciones publicadas de Rackham

El florecimiento del estilo que influenciaría a toda una generación de niños y artistas gráficos surgió con claridad en 1905 cuando ilustró el clásico cuento de Irving Washington: Rip Van Winkle. A éste le siguieron obras maestras como las series que ejecutó para ilustrar Sueño de una noche de verano, Sigfrido y el ocaso de los Dioses, Peter Pan, El viento en los sauces y Ondina entre otros.

Ondina

"Duérmete, que yo te arrullaré en mis brazos" de Sueño de una noche de verano

Rackham también es, junto con John Tenniel, uno de los ilustradores más importantes de la saga de Alicia en el país de las Maravillas, el clásico de Lewis Carroll que anda en boca -y ojos- de todos ahora que Tim Burton hizo su versión de la obra. No me meteré a analizar la cinta. Si gustan leer una excelente crítica de la misma, la opinión que de ella vierten aquí es muy similar a la de su servilleta.

La maravillosa serie que Rackham produjo inspirándose en el texto de Alicia, poniendo su enorme talento al servicio de la fantasía, es quizá el más reconocido de sus trabajos. Aquí, sus líneas sueltas y deslavadas, sus árboles de raíces retorcidas y fantasmagóricas y sus fondos repletos de diminutos detalles hacen parecer que la serie fué concebida ex-profeso para que fuera su mano quien la llevara al reino de las imágenes. Estos dos hombres -Lewis Carroll y Arthur Rackham- incluso estuvieron vivos al mismo tiempo (Carrol murió en 1898,  Rackham nació en 1867) este último tenía sólo 31 años cuando el primero murió.  Ambos eran hombres proveyentes del mismo contexto y ambiente -la Inglaterra victoriana-, y quizá por ello la amalgama texto-imagen resultó, en este caso tan sorprendente como conmovedora.

"Es sólo un mazo de cartas"

"¿Quién eres tú?"

El Sombrerero Loco y la Liebre de Marzo, condenados para siempre jamás a vivir eternamente en las seis de la tarde: la hora del té

Quizá la mayoría de los que vimos la nueva cinta de Burton y que aparte habíamos caminado por por los mágicos y tenebrosos bosques pintados por el pincel de Rackham esperábamos más. Hay un riesgo muy sutil detrás de tanta delicadeza, me atrevo a decir que ahí está el hechizo que vuelve a estas imágenes tan seductoras. Son hermosas, pero hay algo ahí que no acaba de cuadrar. Es la atmósfera del sueño del que recién despertamos, aquello inasible que tan bien logró capturar con algo tan delicado como un pincel.

Asómense a la obra de Rackham, maravíllense. Sus bello trabajo es la antítesis de la Era Industrial que lo hizo accesible a las masas.

Y luego me cuentan cómo les fué.

http://rackham.artpassions.net/

http://www.artst.org/illustration/arthur_rackham/

http://www.midnight-muse.com/1rackham.htm

http://www.wikigallery.org/wiki/artist44431/Arthur-Rackham/page-4